Movimiento Art Deco

Diseño Art Deco: Paul T. Frankl

2010-03-23T13:47:00.000-07:00

Paul T. Frankl estudió arquitectura en París, Berlín, Múnich y emigró a Estados Unidos, donde diseñó diversos interiores para especialista en cosmética Helena Rubinstein (1870-1965). Entre 1915 realizó los decorados para el Theatre Guild de Nueva York, y hacia 1925 empezó a diseñar muebles con formas geométricas a los que bautizó como skyscrapers (Rascacielos). Vendió estos diseños Art Déco, inspirados en la arquitectura de los años veinte, en su galería de Nueva York y los exhibió en la exposición «Art in Trade» que tuvo lugar en los grandes almacenes Macy's en 1927. Frankl no sólo adoctrinó sobre «el rascacielos en la decoración», sino que también promocionó su estilo Moderne en interiorismo mediante diversos libros que ilustraban su obra, entre ellos: New dimensions: The Decorative Arts of Today (1928), Form and Reform (1930) y Space for Living: Creative Interior Decoration and Design (1938). Mientras parte de su carrera profesional se desarrolló en Nueva York, donde creó diseños comparables a las obras Déco de sus contemporáneos franceses pasó la última parte de su vida en California. En 1928 fue el principal fundador de la American Designers' Gallery y en 1930 colaboró en la creación de la (Asociación Americana de Artistas Decorativos y Artesanos). Frankl fue máximo exponente norteamericano Art Déco y su moderna obra estuvo más influida por el perfil del Nueva York de los años veinte que por las corrientes del diseño europeo contemporáneo. Creía que el diseño debía inspirarse e la arquitectura de su entorno y resolvió dar a las artes decorativas norteamericana una identidad propia y adecuada.

Muebles de Frankl

Atalier Elvira (Munich; 1898)

2009-07-24T06:28:00.000-07:00

El Atelier Elvira, de August Endell es uno de los mejores ejemplos del modernismo alemán. Las ilustraciones de la fachada y el interior del edificio, profusamente publicadas en las revistas
de la época, revelan un diseño asimétrico, mal concebido si no horrible, que flota inseguro y arbitrariamente sobre la fachada; algunos críticos la asociaron con antecedentes rocaille. Para la mayoría, el problema era la falta de relación directa entre la fantástica ornamentación y el edificio de forma convencional. De su fachada destacamos el dragón que sobrevolába el estudio, la fachada estaba pintada en verde, mientras que los relieves estaban pintados en morado. Las posteriores obras de Endell en lenguaje modernista, como su proyecto para el auditorio del Teatro Buntes de Berlín (1901), fueron mucho más coherentes, pero su nombre siempre estará unido negativamente a su primer diseño modernista del Atelier Elvira.

Imagenes del Atelier Elvira

Edificio RCA (Edificio GE) (Nueva York; 1933)

2009-06-30T03:07:00.000-07:00

EL edificio RCA fue el primero de los 21 edificios que componen el Rockefeller Center. Su arquitecto Raymond Hood le dio un aspecto similar al Edificio que realizara en 1937 para el Daily News, el cual esta a su vez emparentado con el Empire State Building. El edificio a pesar de que algunos críticos lo colocan más dentro del Movimiento Moderno que del Art Decó, es innegable que posee algunos elementos de este último como el escalonamiento de sus cuerpos, que proporciona al edificio una elegancia que ha sido venerada en todo mundo considerándose como la obra cumbre de Raymond Hood.

El estilo del RCA es único, cubierto de placas de terracota de Indiana, el edificio se muestra como un bloque, roto tan sólo por decenas de lineas ascendentes donde se albergan las ventanas, este aspecto macizo, le ha valido para ser conocido como "La Roca". Esta importante obra del Art Decó tardío tiene 70 plantas.

Imagenes

Master Building (Nueva York; 1928)

2009-05-15T11:38:00.000-07:00

El Edificio Master sigue siendo hoy uno de los edificios más enigmáticos del Art Decó neoyorquino. Además de un instituto dedicado a las artes, albergaba, viviendas, un foro tetral, una biblioteca tibetana y un museo con trabajos teofísicos del ruso Nicholas Roerich. Este último realizó el decorado por la escenografía original de la Consagración de la Primavera de Stravisnky representada en el Theatré des Champs Elysées en 1913, y parece ser que le sugirió al arquitecto Corbett un enladrillado multicolor que iría subiendo poco a poco del púrpura de la base al amarillo de la cima, lastimosamente este cromatismo desapareció rápidamente debido a la contaminación. Corbett realizaría un edificio similar en la calle Ocho.

Master institute of united Arts

One Fifth Avenue en la calle ocho

Ficha Técnica:

Arquitecto	Corbett
Año de Finalización	1929
Año del Proyecto	1928
Altura	N/d
Plantas	N/d
Tipo	Edificio de Oficinas
Ciudad	Nueva York
Promotor	N/d

Little Singer Building (Nueva York; 1904)

2009-05-14T03:04:00.000-07:00

Este edificio diseñado por Ernest Flagg como salón de muestras de la Compañia Singer, se acerca al estilo Art-Nouveau, sin llegar por completo a adoptar dicho estilo. Flagg se formó en París y se unió a McKim para formar la Society of BeauxArts, que preconizaba la necesidad de crear un estilo nacional. Al igual que su Scribner´s Bookshop, construida en la Quinta Avenida a la altura de la calle Cuarenta y nueve en 1913, el Little Singer fue una obra pionera en el empleo decidido del muro cortina, con sus ventanas francesas que van de suelo a techo, situadas tras una fachada independiente de balcones de hierro sostenida por soportes tubulares que alternaban con el módulo básico interior de la estructura de ladrillo y metal hecha a prueba de fuego.En 1983 el edificio fue restaurado recuperando su aspecto original.

Detalles de la Fachada

Ficha Técnica:

Arquitecto	Ernest Flagg
Año de Finalización	1904
Año del Proyecto	1907
Altura	N/d
Plantas	11
Tipo	Edificio de Oficinas
Ciudad	Nueva York
Promotor	Singer Company

Wrigley Building (Chicago; 1920)

2009-05-13T14:21:00.000-07:00

William Wrigley Jr. fue un magnate de los chicles. Como muchos nuevos ricos forjados en la década de los diez, buscaba para su empresa la sede más impresionante jamás construida y para ello contrató al arquitecto Charles Beersman. El edificio completado en 1924, estaba formado por dos edificios conectados por una plataforma abierta en las plantas tercera y decimotercera. La torre norte es algo más baja que la sur que destaca con sus 145 metros. La iluminación actual data de 1921, está formada por más de 62 focos en el propio Edificio Wrigley y potentes focos desde el Chicago River.

Imagen Nocturna

La estética clásica de su reloj de seis metros de altura le da el aspecto señorial que su promotor buscaba. Su exterior está recubierto de 250,000 placas de terracota vidriada. Durante su construcción, fue el edificio recubierto de terracota más grande del mundo. El remate del reloj esta inspirado en la Giralda de Sevilla, aunque con cierto toque neorenacentista americano, lo que lo hace uno de los edificios más importantes del movimiento bellas artes en Chicago.

Imagenes (Flickr)

Ficha Técnica:

Arquitecto	Charles Beersman
Año de Finalización	1920
Año del Proyecto	1924
Altura	145 metros
Plantas	30
Tipo	Edificio de Oficinas
Ciudad	Chicago
Promotor	Wrigley Jr.

Edificio Chicago Tribune (Chicago; 1922)

2009-05-13T05:11:00.000-07:00

El periódico Chicago Tribune llego a tener millones de lectores diarios durante los años veinte, así creo un concurso para levantar "el edificio de oficinas más bello del mundo". De la competición tomaron parte más de 260 arquitectos de 35 países. Entre estos arquitectos algunos como Walter Gropius, Adolf Loos o Saarinen. El elegido finalmente fue el proyecto de Hodd and Howells. Este proyecto estaba estilo neogótico, el cual se relacionaba con la evolución natura de la escuela de Chicago, aspecto de gran peso para el jurado. El diseño de Hood and Howels se impuso a la limpieza de líneas propuestas por los arquitectos europeos de la Bahuaus. El edificio fue completado en 1925, el edificio fue diseñado teniendo en cuenta la torre de la catedral de Rouen en Francia, lo que hace a este edificio una de las joyas de la arquitectura revival de Chicago. Las esculturas fueron realizadas por Rene Paul Chambellan. El proyecto de Adolf Loos a pesar de no ser elegido ha pasado a la historia de la arquitectura.

Arquitecto	Raymond Hood & Howells
Año de Finalización	1925
Año del Proyecto	1922
Altura	141 metros
Plantas	36
Tipo	Edificio de Oficinas
Ciudad	Chicago
Promotor	Chicago Tribune

Imágenes (Flickr)

Artículos Relacionados:

Carbide & Carbon Building

One Wall Street

Apartamentos El Dorado (1932; Nueva York)

2009-02-25T02:13:00.000-08:00

Este edificio de 28 plantas es una evolución de los apartamentos San Remo y Beresford. Diseñado por uno de los arquitectos más influyentes del Art Decó, Emery Roth, en su fachada se aprecia la evolución hacía un estilo más moderno, aunque sin perder el ornamento Art Decó.

La decoración se basa diversas figuras geométricas que recorren la fachada valiéndose de base bicromía entre los ladrillos de color amarillo que constituyen el paramento principal y otros marrones que sirven al arquitecto para realizar las diversas figuras geométricas, esta combinación da ritmo a la fachada. Uno de los elementos decorativos más destacados de El Dorado, son sus remates de estilo futurista.

Vista desde Central Park

El diseño de Roth basado en un cuerpo principal y dos torres gemelas, lastimosamente no fue exportado a otros lugares, algo que le da aún más valor a la obra de este genial arquitecto Art Decó. Para este edificio contó con la colaboración del arquitecto Margon & Holder. En total el edificio cuenta con 186 apartamentos.

Imagenes

Ficha Técnica:

Arquitecto	Emery Roth
Año de Finalización	1932
Año del Proyecto	1929
Altura	150 metros
Plantas	29
Tipo	Edificio de Apartamentos
Ciudad	Nueva York
Promotor	N/d

Shell Mex House (1932; Londres)

2009-02-24T08:35:00.000-08:00

Arquitecto	Ernst Joseph
Año de Finalización	1932
Año del Proyecto	1930
Altura	53 metros
Plantas	12
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	La Shell Mex House, fue construida entre 1930 y 1932. Fue diseñado por el arquitecto judío Ernst Joseph. Su estilo Art Decó se asemeja al de otros edificios como el Ayuntamiento de Buffalo. Esta distribución se caracteriza por ser auténticos rascacielos tumbados, puesto que a pesar de tener sólo 12 plantas su superficie total es de 50.000 m2. Lo que lo convertía en uno de los edificios más grandes de Inglaterra en 1932. El edificio esta coronado por un gran reloj, el mayor del Reino Unido, este aparece flanqueado por dos figuras. En el edificio está constantemente presente el zigurat. Desde el cuerpo principal del edificio, hasta el remate del reloj. Su fachada esta realizada en granito blanco y su estilo es más clásica de lo habitual en la arquitectura Art Decó. Quizás se deba a que se construyó sobre el solar del Hotel Cecil construido en 1886, y del que se conservó una de las fachadas. Como curiosidad el edificio Shell Mex es en la actualidad el edificio londinense con mayor valoración por metro cuadrado, ya que fue vendido en 2007 por cercad 500 millones de Libras, y es que no es para menos dada su emblemática posición frente al rio Tamesis, que lo han convertido en uno de los símbolos del Londres Moderno.
Ciudad	Londres
Promotor	Shell

Imagenes (Flickr)

Relojes Art Decó

2009-02-09T04:55:00.000-08:00

Como las joyas de Tiffany o los muebles de inspiración egipcia, los relojes de estilo Decó se han convertido en auténticos iconos del arte de los años veinte y treinta. Grandes artistas como Lalique o marcas Omega o la misma Tiffany encontraron en los relojes un lugar donde expresar su creatividad y a su vez satisfacer la necesidad de lujo que tenían los compradores de estas piezas. Estas máquinas del tiempo son apreciadas hoy en día e incluso tienen su propio museo en Bruselas.

Reloj de Madera. C. 1928. Paul T Frankl.

Reloj de Metal cromado. C. 1930. Hérmes.

Reloj de Mármol, Oro y Cristal. C. 1928. Vacheron & Constantin.

Reloj de Chimenea en vidrio. C. 1930. Hettier & Vincent

Reloj de Madera. C. 1922. Evert Kuipers

Reloj de cristal y mármol con incrustaciones de coral. C. 1925. Cartier.

Reloj de Acero. C. 1937. Mappin & Webb

Edificio Kavanagh (Buenos Aires, 1933)

2009-02-08T13:15:00.000-08:00

El Kavanagh es uno de los emblemas del movimiento moderno Argentino. Al Construirse en 1933 no se trata de un edificio Art Decó Puro, en sus líneas también observamos una fuerte influencia del expresionismo Europeo..

Fachada expresionista

A comienzos de la década de 1930 Corina Kavanagh era una joven estanciera de origen irlandés, excéntrica e interesada en todo lo que fuera vanguardia, al punto que hacia 1933 tuvo la idea de vender dos de sus estancias para construir un edificio de rentas destinado a vivienda. Hay quienes dicen que la idea fue en realidad de sus abogados, Diego Garret Kavanagh y Pablo Cárdenas. Sin embargo, lo cierto es que Corina vendió sus tierras y compró un terreno sobre la barranca que da a la Plaza San Martín, un triángulo que forman la unión de las calles Florida y San Martín.

La zona donde se levantaría el futuro edificio era una de las más cotizadas de la ciudad e incluso había sido proyectada por la Comisión de Estética Edilicia como la “gran puerta de entrada a la ciudad”, ya que en el bajo se encontraban las Estaciones “Retiro” de los Ferrocarriles Central Argentino, Pacífico y Central Córdoba.

La intención de Corina Kavanagh era que su edificio le devolviera buena parte del dinero invertido. Su idea era destinar el alquiler de sus departamentos a las jóvenes familias ricas de Buenos Aires, los únicos que habían podido sobrevivir a la crisis económica. Por eso, se preocupó de que tuviera todo lo mejor de la época en cuanto a confort y adelantos. Para el proyecto fue convocado el estudio conformado por el arquitecto uruguayo Gregorio Sánchez, el ingeniero Ernesto Lagos y Luís María de la Torre.

Vista General del Kavanagh

El 24 de junio de 1933 fue subastada la demolición de las construcciones que existían en el terreno donde se levantaría el futuro edificio y a fines del mes de agosto éste quedó totalmente liberado de escombros. Finalmente, se comenzó con la estructura en enero de 1934. En un primer momento el Edificio Kavanagh iba a tener una altura similar a la de su vecino Plaza Hotel, pero finalmente, se decidió construir un rascacielos, que fuera el edificio más alto de Buenos Aires.

El hormigonado del “Edificio Kavanagh” se terminó el 28 de octubre de 1934. En ese entonces, se convirtió en la estructura de hormigón armado más alta del mundo, superando al Prédio Martinelli de Sao Paulo.

El edificio fue finalmente inaugurado oficialmente el 15 de enero de 1936. Con unos 110 metros de altura hasta la azotea y 120,35 hasta la cima del mástil, se convirtió en el edificio más alto de Argentina y de Latinoamérica. Sus 30 pisos también fueron un récord para la historia de la construcción del país, ya que era la primera vez que un edificio llegaba a esa cantidad de niveles altos.

Fachada Principal

El Kavanagh debió limitar sus plantas al complejo perímetro triangular del terreno. Fue construido en base a cinco volúmenes yuxtapuestos: uno central, al que se adosan otros dos y a estos, otros dos, menores. La parte central con sus dos costados da la simetría al edificio.

Los números del Kavanagh fueron sorprendentes para su época. Durantesu construcción debieron prepararse 1.500 planos y planillas para una superficieedificada de 25.800 m2. En las estructuras de hormigón fueron utilizadas 1.600 km. de barras de hierro en tanto que el total de las cañerías de agua, vapor, desagües y conductores eléctricos alcanzó los 90 km. La instalación eléctrica fue equivalente a la que se necesitaría para abastecer a una ciudad de 80.000 habitantes, a la vez que el equipo refrigerante del acondicionador de aire (único en el mundo) podía generar hielo para un conglomerado urbano de 75.000 personas.

El esquema del edificio se compone de sótano, planta baja, 30 pisos con un total de 102 viviendas repartidas en seis alas (A, B, C, E, F y G) y un mirador en la terraza, lo que sería el piso 31°. La planta baja fue dedicada a los grandes ambientes de recepción, con entrada cubierta para autos, salas de espera, de informaciones, de teléfonos, toilettes, vestíbulos y galerías.El Kavanagh está incluido en la lista de patrimonio mundial del movimiento moderno elaborada por la UNESCO

El Kavanagh en los años cuarenta

Ficha Técnica:

Arquitecto	Gregorio Sánchez, Ernesto Lagos y Luís María de la Torre
Año de Finalización	1936
Año del Proyecto	1933
Altura	110 metros
Plantas	30
Tipo	Edificio de Viviendas
Ciudad	Buenos Aires
Promotor	Corina Kavanagh

Fte. Imagenes: Flickr

Entradas relacionadas:

MOP Buenos Aires

Edificio Comega

Edificio el Comercio

El vidrio de Lalique

2009-02-06T10:57:00.000-08:00

René Lalique comenzó su carrera como grafista y luego como discñador de joyas Art Déco. Descubrió el cristal cuando buscaba materiales nuevos y menos caros para sus joyas. Experimentó con esmaltes vítreos y con cristal fundido según el procedimiento de la cera perdida. Su primer objeto enteramente de cristal lo produjo entre 1893 y 1897 con esta última técnica: un frasco en forma de lágrima, con tapón. Después de su éxito inicial, realizó cierto número de objetos de cristal que expuso, junto a sus joyas, en su nuevo taller de la Place Vendónme.

Fue allí donde en 1906 los vasos de cristal de Lalique llamaron la atención del perfumista Francois Coty, quien le encargó etiquetas y frascos para sus productos. Los primeros diseños de Lalique para Coty fueron producidos en cristal por Legras et Cie., la mayoría de ellos sin firma. Hacia 1908 Lalique tuvo su propio taller de cristalería en Comb -la-Ville, donde ejecutaba sus propios diseños. Unos locales más amplios, adquiridos en 1909, le permitieron entrar en la producción en serie. Al estallar la primera guerra mundial, Lalique había abandonado casi por completo su producción de joyería. En 1918 adquirió una factoría más amplia en Wingen-sur-Moder.

Los vasos de Lalique, con una decoración en altorrelieve muy detallada, se fabricaban según tres procedimientos: soplando con la boca el vidrio dentro de moldes; mediante un proceso mecánico de aspiré soufflé o pressé soufflé; y moldeados en una prensa. El material de base era
siempre de cristal: cristal con un 50 por ciento de plomo. Se dejaba claro o se coloreaba con óxidos metálicos, sulfatos y cloratos, con los que se conseguía una gama de colores exquisitos que iban del verde esmeralda al rojo rubí. Mediante un sandwich formado por una capa de cristal blanco opaco entre dos capas de cristal coloreado, se obtenían bellos efectos opalescentes. Otras veces la decoración era pintada o teñida, con esmaltes tratados con ácidos, exponiendo el cristal a humos de óxidos metálicos en una mufla, o puliéndolos con una pulidora rápida o con rojo de pulir.
El repertorio de motivos decorativos de Lalique era también variado: animales naturales o estilizados, flores, formas humanas o mitológicas y composiciones geométricas abstractas. Las formas en relieve eran realzadas mediante la aplicación de tintes de colores esmaltados. En su catálogo había una amplia variedad de objetos: vasos, vajillas, objetos de tocador, frascos, quernaperfumes, joyas, cajas de reloj, esculturas, espejos, juegos de escritorio, lámparas, muebles, accesorios arquitectónicos, fuentes e incluso objetos novedosos como las mascotas de automóvil.

Durante los años veinte, Lalique consiguió un gran éxito y fue ampliamente aclamado en la Exposición de París de 1925, donde tenía pabellón propio. También diseñó un comedor de cristal para Sevres y una gran fuente para el Cours des Métiers. Además, sus frascos dominaban la espectacular «fuente de perfumes» de la sección de perfumería. Otras obras suyas fueron incluidas en las exposiciones de varios ensembliers. Siguieron importantes encargos, entre ellos piezas de cristal para transatlánticos como el París (1920), el Ile-de-France (1927) y el
Normandie (hacia 1935): paneles decorativos, lámparas, techos iluminados y otros accesorios. Fabricó lámparas para restaurantes, teatros, hoteles, iglesias y para coches cama de lujo de los ferrocarriles franceses; también diseñó una serie de fuentes públicas de cristal en el RondPoint de los Campos Elíseos de París.

Obras de Lalique

Politica de Privacidad

2009-01-05T05:25:00.000-08:00

Politica de Privacidad

http://worldartdeco.blogspot.com/, no recauda información privada como datos personales, nombres, direcciones, direcciones de email, teléfonos, números de documentos, tarjetas de créditos, ni ninguna otra información personal, mediante ningún formulario, ni por ninguna otra vía, tampoco nadie está autorizado en nombre de http://worldartdeco.blogspot.com/ para solicitárselos por ningun medio.

Pero al igual que muchos sitios web, http://worldartdeco.blogspot.com/ utiliza servicios de terceros, como son el servicio publicitario y de estadísticas con el fin de brindarle más y mejores servicios, que recaudan cierta información mediante cookies, que Ud, debe saber:

http://worldartdeco.blogspot.com/ le describe como recogemos, guardamos o utilizamos la información que recabamos a través de los diferentes servicios en las páginas disponibles en http://worldartdeco.blogspot.com/. Es importante que entienda que información recogemos y como la utilizamos ya que el acceso a http://worldartdeco.blogspot.com/, implica la aceptación de nuestra política de privacidad.

La cookie DART de DoubleClick

El acceso a http://worldartdeco.blogspot.com/ puede implicar la utilización de cookies. Las cookies son pequeñas cantidades de información que se almacenan en el navegador utilizado por cada usuario para que el servidor recuerde cierta información que posteriormente pueda utilizar. Esta información permite identificarle a usted como un usuario concreto y permite guardar sus preferencias personales, así como información técnica como puedan ser visitas o páginas concretas que visite.

Aquellos usuarios que no deseen recibir cookies o quieran ser informados antes de que se almacenen en su ordenador, pueden configurar su navegador a tal efecto.

La mayor parte de los navegadores de hoy en día permiten la gestión de las cookies de 3 formas diferentes:

1. Las cookies no se aceptan nunca.
2. El navegador pregunta al usuario si se debe aceptar cada cookie.
3. Las cookies se aceptan siempre.

El navegador también puede incluir la posibilidad de especificar mejor qué cookies tienen que ser aceptadas y cuáles no. En concreto, el usuario puede normalmente aceptar alguna de las siguientes opciones: rechazar las cookies de determinados dominios; rechazar las cookies de terceros; aceptar cookies como no persistentes (se eliminan cuando el navegador se cierra); permitir al servidor crear cookies para un dominio diferente. Además, los navegadores pueden también permitir a los usuarios ver y borrar cookies individualmente.

Google, como proveedor asociado, utiliza cookies para publicar anuncios en Armonia Live. Los usuarios pueden inhabilitar el uso de la Cookie de DART a través del anuncio de Google y accediendo a la política de Privacidad de la Red de Contenido .

Dispone de más información sobre las Cookies en: http://es.wikipedia.org/wiki/Cookie

Carbide & Carbon Building (Chicago; 1929)

2008-12-30T06:46:00.001-08:00

El Carbide & Carbon Building, que fue construido en 1929, es un ejemplo de arquitectura Art Déco diseñado por Daniel Burnham y Hubert Burnham, hijos del arquitecto Daniel Burnham. El exterior del edificio está cubierto de granito negro pulido, y la torre es de terracota verde oscura con detalles en oro. Según la tradición popular, los arquitectos Daniel Burnham y Hubert diseñaron el edificio inspirándose en una botella de champán de color verde oscuro con tapón de oro. El diseño del edificio se asemeja a otros importantes edificios Art Decó americanos como con el American Radiador Building de Nueva York. La planta baja fue originalmente diseñada para mostrar los productos de la Union Carbide Corporation, y sus filiales con oficina en el edificio. El vestíbulo esta realizado en bronce y mármol belga. Actualmente es el Hotel Hard Rock.

Imagenes (Flickr)

Ficha Técnica:

Arquitecto	Daniel y Hubert Burnham
Año de Finalización	1929
Año del Proyecto	1930
Altura	154 metros
Plantas	37
Tipo	Edificio de Oficinas
Ciudad	Chicago
Promotor	Union Carbide & Carbon Corporation

Articulos Relacionados:

Carbide & Carbon Building

One Wall Street

American Radiator

Hotel Waldorf Astoria (Nueva York; 1931)

2008-12-29T12:19:00.000-08:00

Arquitecto	Schultze & Weaver
Año de Finalización	1931
Año del Proyecto	1929
Altura	191 metros
Plantas	47
Tipo	Hotel
Construcción	El Hotel Waldorf Astoria fue el mayor del mundo en el momento de su conclusión en 1931. El edificio está rematado por dos grandes torres, que alcanzan los 191 metros. Estas torres se levantan a partir del piso veinte del edificio, el cuerpo principal contiene gran parte de las 2200 habitaciones que posee el Hotel. El edificio además posee apartamentos privados donde se han hospedado celebridades desde Lucky Luciano hasta el presidente de los EE.UU. cada vez que visita la ciudad. El edificio actual ocupa el solar de dos antiguos hoteles de la misma familia. Se invirtieron nada más y nada menos que 42 millones de dólares para construirlo, superando el coste del Empire State Building. El edificio esta realizado en ladrillo oscuro, a excepción de su bajo, realizado en granito. Los remates están realizados en bronce, siendo uno de los mayores remates realizados en este material en la ciudad de los rascacielos. En su interior guarda importantes muestras de Art Decó como el mosaico de la Rueda de la Vida de Louis Rigal, así como un reloj adquirido por la familia Astor en la feria de Chicago de 1893. El edificio actual ocupa el solar de dos antiguos hoteles de la misma familia.
Ciudad	Nueva York
Promotor	Familia Astor

Imagenes (Flickr)

Edificio American Radiator (1923, Nueva York)

2008-12-20T11:44:00.000-08:00

El ladrillo negro de la fachada se ha elegido para disimular el contraste visual entre las paredes y las ventanas dándole al edificio un aspecto sólido y macizo. El estilo gótico se acentúa con pináculos de la terracota y frisos recubiertos de oro, que contrastan con el negro de la fachada. La base esta realizada en granito con placas decorativas en bronce. En la decoración encontramos alegorías que hace referencia a la transformación de la materia en energía. El vestíbulo de entrada está decorado con mármol negro y espejos.

Imagenes (Flickr)

Ficha Técnica:

Arquitecto	Raymond Hood y André Fouilhoux
Año de Finalización	1924
Año del Proyecto	1923
Altura	102 metros
Plantas	23
Tipo	Edificio de Oficinas
Ciudad	Nueva York
Promotor	American Radiator

Artículos Relacionados:

Carbide & Carbon Building

One Wall Street

Casa del Teatro (Buenos Aires, 1927)

2008-12-17T13:11:00.000-08:00

Arquitecto	Alejandro Virasero
Año de Finalización	1927
Año del Proyecto	1926
Altura	N/d
Plantas	10
Tipo	Edificio de Apartamentos
Construcción	La Casa del Teatro es una de las obras más importantes del estilo Art Decó en Buenos Aires. Diseñado en 1927, sigue la corriente internacional, de fachada plana y superposición de volúmenes. La Casa del teatro se inauguró en 1938. Observamos sin embargo cierta influencia del Secesionismo Vienes en la gran cristalera de cuatro pisos de altura enmarcada en relieves de estilo decó. Los relieves y las figuras geométricas están presente a lo largo de toda la facha, destacando entre ellos la cartela que remata el edificio con el lema “Casa del Teatro”, así como el prisma que corona el edificio tras un ascenso en código piramidal, adornado en sus cuatro caras por mascaras de teatro, creando un elemento que refuerza la comunicación al viandante del usó del edificio
Ciudad	Buenos Aires
Promotor	N/d

Imagenes (Flickr)

Edificio Metropolitan Life (1907, Nueva York)

2008-12-07T07:13:00.000-08:00

Arquitecto	Napoleon LeBrun & Sons
Año de Finalización	1909
Año del Proyecto	1907
Altura	213 metros
Plantas	50
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	La construcción del Flatiron supuso el comienzo de una carrera por alcanzar el cielo. Estamos pues ante uno de los primeros candidatos a conquistar los cielo: el Metropolitan Life building. El edificio fue construido entre 1907 y 1909, y fue un capricho del director de la compañía, en un acto de megalomanía, quería construir una sede impresionante, que quedara para la posteridad. Y lo consiguió, ya que el edificio fue el más alto del mundo entre 1909 y 1913. La torre no se hizo con intenciones decó, sino bajo influencias neorrenacentistas, hay quien ve cierto paralelismo con la torre de la Plaza de San Marcos de Venecia. El edificio inicialmente poseía una rica decoración, sin embargo su fachada fue limpiada en una reforma de 1960. Dos son los elementos más característicos, primero sus relojes, con reminiscencias Art Nouveau; segundo su remate en forma de pirámide, bajo este se sitúa una logia con cinco arcos de medio punto, el edificio es coronado por un lucernario neorrenacentista. Como curiosidad sus ascensores fueron durante años los más rápidos del mundo, realizando el recorrido desde la base a la última planta en sólo 60 segundos.
Ciudad	Nueva York
Promotor	Metropolitan Life Insurance

Imagenes (Flickr)

Cine Fausto (1938, La Habana)

2008-12-06T16:16:00.000-08:00

Arquitecto	Saturnino Mario Parajón
Año de Finalización	1938
Año del Proyecto	1936
Altura	N/d
Plantas	1
Tipo	Cine-Teatro
Construcción	La entrada del Art Decó en Cuba se produce a finales de los años veinte, y se desarrolla durante los años treinta llegando su influencia hasta los años cuarenta. Durante los años treinta se producen interesantes edificios bajo el streamline. Entre estos edificios destaca el teatro Fausto. El fausto construido en 1938, muestra unas líneas muy modernas, claramente influido por la estética streamline de Miami, con bandas que recorren su fachada, esquinas redondeadas, proporcionando plasticidad a la fachada. Una fachada maciza, pero con cavidades en su interior, que aísla totalmente al teatro del ruido. En su volumetría encontramos dos cuerpos, uno vertical, donde se encuentra el escenario y otro que lo corta en horizontal, donde encontramos el hall y todos los servicios para el teatro, como los camerinos. El interior estaba recubierto de acero niquelado. En su momento el cine Fausto contaba con una marquesina de estilo decó, hoy lamentablemente desaparecida. La decoración del teatro se completa con algunos relieves florales y geométricos.
Ciudad	La Habana
Promotor	N/d

Imagenes (Flickr)

Edificio Comega (1931, Buenos Aires)

2008-12-06T11:59:00.000-08:00

Arquitecto	Enrique Douillet y Alfredo Joselevich
Año de Finalización	1933
Año del Proyecto	1931
Altura	85 metros
Plantas	21
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	El edificio Comega se comenzó a construir en 1931 como futuro emblema de Corrientes. Las arterias de la ciudad debían ensancharse y alinearse a grandes monstruos de acero y hormigón armado como el Comega. El edificio se construyo con tres sótanos, 21 pisos y un mirador. En los sótanos se incluyeron aparcamientos, uno de los primeros edificios argentinos en incorporarlo. Sobre el primer piso, se levantaron dos cuerpos rectos de 14 pisos cada uno y un tercero, alejado de la línea municipal, que fue prolongado hasta el piso 21°. El edificio alcanzó entonces una altura total de 85 m. sin contar la antena. Los pisos 1° a 18° fueron destinados a oficinas, en tanto que en el piso 19° se instaló el “Comega Club” una suerte de “living room” compuesto de sala de estar y bar con grandes ventanales que permitían una gran amplitud visual. Por último, los pisos 20° y 21° fueron destinados a la sala máquinas de los ascensores y a la vivienda del mayordomo. Las puertas vidriadas y de bronce del hall del edificio fueron realizadas en la Casa Markus de Berlín. Las paredes, parte del techo y las puertas de los ascensores fueron revestidos en chapas de acero inoxidable traídas de Suecia. Para los muebles se utilizó mármol negro y bronce cromado. En los pisos de las oficinas fue empleado el linoleum verde oscuro, en tanto que las paredes fueron enduídas y pintadas al aceite en tonos claros. De la misma manera, las dependencias y los baños se revistieron en mayólica verde clara. Los cinco ascensores son marca Otis y tienen una velocidad de 180 m. por minuto. A pesar de haber adoptado la planta en H con forma emergente, los arquitectos no destacaron el ritmo ascendente ni en la fachada ni en la composición telescópica del remate.
Ciudad	Buenos Aires
Promotor	Compañía Mercantil y Ganadera S.A.

Imagenes (Flickr)

Joseph Csaky

2008-12-04T12:47:00.000-08:00

En 1908, Joseph Csaky se trasladó de Budapest a París, a pie en un gran trecho, tal como lo había hecho Brancusi cuatro años antes. Era un pionero del cubismo tridimensional, y sus obras de vanguardia aparecieron en 1911 (todas, excepto tres, se perdieron o fueron destruidas más tarde). En 1914 ingresó como voluntario en el ejército, y volvió a la escultura en 1919 con una selección de composiciones al estilo de Léger, a base de conos, cilindros, discos y esferas. Estos primeros ensayos seguían a los de Derain, Brancusi, Archipenko y Modigliani en la escultura rectilínea, en la cual el tema se tallaba a partir de un solo bloque. Debido al coste prohibitivo de la fundición de bronce, estas obras solían ser piezas únicas de yeso o de cartón piedra.

En los años veinte, Csaky varió repetidamente su estilo moderno. En 1921 creó bustos en los cuales ciertas formas estaban cortadas, así como composiciones de figuras formando torre. Cuando no estaban truncados, los detalles aparecían rotos en planos angulares. Los brazos levantados o bajados proporcionaban un sutil equilibrio. A partir de 1928, Csaky se dedicó a formas de expresión más figurativas. Dejó las composiciones rectilíneas en favor de las composiciones de cuerpo entero.

Clinica de la Unión y el Fénix (Madrid, 1928)

2008-12-02T10:31:00.000-08:00

Arquitecto	Modesto López Otero
Año de Finalización	1930
Año del Proyecto	1928
Altura	55 metros
Plantas	12
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	Esté edificio emblemático sigue los cánones de la arquitectura americana de los años veinte. Fachadas con grandes huecos, superposición de volumetrías o un esplendido remate de la torre son algunas de las características de este edificio. El edificio en un principio debía contener una torre más ancha, de cinco filas de ventanas, en lugar de las tres que finalmente tuvo. La torre principal tiene una altura de 55 metros y esa coronada por un Fénix símbolo de la Compañía de Seguros y realizado por el escultor Camps, este remate nos recuerda a otros edificios Norte Americanos como el del Chicago Board of Trade. El edificio esta construido en hormigón armado y revestido en piedra blanca.
Ciudad	Madrid
Promotor	La Unión y el Fénix

Imagenes (Flickr)

Palacio Barolo (1922, Buenos Aires)

2008-11-29T07:21:00.000-08:00

Arquitecto	Mario Palanti
Año de Finalización	1923
Año del Proyecto	1922
Altura	103
Plantas	22
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	Este inclasificable edificio fue levantado en 1923. Con reminiscencias de la escuela de Chicago como nos muestran sus ventanales a tres caras, pensados para que siempre entrase el sol, se mezcla este estilo con un eclecticismo tardío, proporcionado por su buhardilla de color verde agua o su remate y con un eminente estilo Art Decó que podemos ver en la volumetría del edificio. Uno de los elementos más característicos del Barolo es su remate, de estilo ecléctico representa un faro con más de 300.000 bombillas. En el edificio encontramos múltiples referencias a la divina comedia de Dante, ya que su arquitecto era un apasionado de él. Esta construido en hormigón y su ornamentación, es más arquitectónica que artística, bóvedas, balcones, arcos y pilastras recorren el edificio, sin embargo no encontramos apenas relieves o estatuas, como era habitual en la época, esto le da un aspecto macizo, pero monumental a la vez. Su interior es puramente ecléctico, con lenguaje neorrenacentista con influencias art nouveau. En 1997 este edificio fue declarado monumento histórico nacional. Actualmente en el edificio funcionan varias agencias de turismo, una escuela de español para extranjeros, una tienda que vende ropa para Tango, oficinas de contadores, abogados, etc.
Ciudad	Buenos Aires
Promotor	Luís Barolo

Imagenes (Flickr)

Alfa Romeo6C 2300 "Pescara" Pininfarina

2008-11-25T12:42:00.000-08:00

Construido entre 1936 y 1937 el Pescara fue uno de los diseños más bellos de Pininfarina en los años 30. Sólo se fabricaron dos modelos con carrocería Pininfarina, la versión de Touring si llegó a producirse, poseyendo Musolini uno de éstos. Su diseño, al gusto de la época se basaba en un bonito juego de líneas curvas, similar a las que usaría el Lancia Aprilia Berlinetta Aerodinamica en 1937. Este modelo muestra que la obsesión por la aerodinámica no era algo propio de países como Estados Unidos o Francia, donde el Art Decó fue el estilo preferido durante años. El Pescara montaba un motor de 6 Cilindros y 2,3 litros de cubicaje.

Edificio 450 Sutter (1929, San Francisco)

2008-11-20T05:08:00.000-08:00

Arquitecto	Timothy L. Pflueger
Año de Finalización	1929
Año del Proyecto	1928
Altura	105 metros
Plantas	26
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	El edificio Sutter es posiblemente el más sofisticado de la era Art Decó, un edificio de 26 plantas de gran elegancia. El diseño exterior del edificio destaca por la forma triangular de sus ventanas, controlando la luz que entra en el edificio puesto que generalmente por la posición del edificio una de las ventanas recibe el sol directamente y la otra no. El lobby del edificio se encuentra ricamente decorado, como el Art Decó mandaba con motivos cerámicos dedicados al pueblo Mesoamericano, toques de oro y plata complementan la decoración. El edificio fue uno de los primeros del mundo en incluir aparcamiento privado con una capacidad para 450 automóviles. En 1978 se renovó.
Ciudad	San Francisco
Promotor	N/d

Imagenes (Flickr)

Gustav Miklos

2008-11-17T03:59:00.000-08:00

El estilo de Gustav Miklos comenzó a evolucionar hacia lo moderno en 1907, dos años antes de trasladarse de Budapest a París. Hoy reconocido como un importante escultor Art Déco, Miklos intentó probar fortuna en otras disciplinas -orfebrería, esmaltes champlevé, tapices y joyería- antes de dedicarse de manera preferente a la escultura a partir de 1923. En la Exposición de 1925 expuso un par de columnas monumentales de madera policromada, y en 1928 celebró su única exposición individual en la Galérie de la Renaissance, de la rue Royale.

Por su simplificación de la masa y por sus detalles, el estilo de Miklos muestra la influencia del cubismo y el constructivismo. Sus cabezas de mujeres tribales y sus pájaros son especialmente vigorosos. Tanto la dignidad como la sensualidad hallan un lugar en sus formas alargadas y redondeadas. Los materiales preferidos eran la diorita, el bronce, la madera y el cobre, a los cuales Miklos, como Brancusi, solía aplicar un pulido brillante.

Duesenberg J y JS

2008-11-16T10:32:00.000-08:00

Los modelos J y JS de Duesenberg fueron el resultado de un magnífico trabajo de ingeniería en la historia americana del motor durante el periodo de entreguerras gracias, sobre todo,
a que no se pensó para nada en los costes de producción. Fue, y sigue siendo, un verdadero milagro que un coche tan caro y llamativo se vendiera sin dificultad mientras duró el abismo de la Gran Depresión. La mayoría de estos coches han sobrevivido hasta nuestros días. La labor de ingeniería de este automóvil, el indiscutible «Rey de los Clásicos», corrió a cargo de Fred Duesenberg, cuya compañía era propiedad de E. L. Cord. Las órdenes de Cord eran muy sencillas: quería que fuese el mejor coche y el más rápido del mundo. Cord deseaba ser capaz de vender un coche tan extraordinario como un Bugatti Royale y tan admirado como un RollsRoyce. Duesenberg, por tanto, desarrolló y montó un flamante motor, prácticamente sin igual, en un bastidor convencional en el que se podían elegir largas -y larguísimas- batallas (362 cm o 390 cm).

El anterior propulsor de Duesenberg (el Modelo A) había supuesto un gran avance en su momento, por lo tanto, la nueva unidad debería ser excepcional. Consecuentemente Fred Duesenberg creó un motor de 6,9 litros de cilindrada, un coloso con doble árbol de levas en cabeza y cuatro válvulas por cilindro, capaz de entregar 200 cv en su versión más dócil y 400 cv en el SJ (S = Sobrealimentado). Incluso el modelo basíco, podía alcanzar 177 km/h Y el SJ lo tenía todo para superar los 190 km/h e incluso llegar a los 200 km/h.

Estatuilla

Las carrocerías, realizadas por los mejores carroceros de América, eran prodigiosas; ningún otro fabricante consiguió igualarlas. No podía ser de otra manera: en 1928, cuando apareció el coche, sólo el bastidor de un modelo J costaba 8.500 $ (a partir de 1932 subió a 9.500), mientras que los precios de los coches listos para circular rondaban los 15.000 $ -prácticamente el doble de lo que costaba un «vulgar» Cadillac equipado con motor V16.

La carrocería típica de un Duesenberg incluía un altivo radiador, con un sospechoso parecido al de un WO. Bentley, y dos ruedas de repuesto alojadas en sendas bolsas sobre las aletas de las ruedas delanteras. Las llantas de radios eran las habituales y el capó del motor era tan suntuosamente largo y alto que estar dotado de una elevada estatura era una gran baza para poder conducirlos.

Algunos modelos se montaron con carrocería del tipo sedán aunque la mayoría fueron cupés descapotables maravillosamente equipados. Desde luego, por el precio al que se vendían, Duesenberg podía mostrarse complaciente atendiendo los deseos que realizaban sus ricos y exclusivos clientes sobre el tipo de carrocería que solicitaban. En algunos, se montaba un tercer asiento plegable en la parte trasera y un angosto habitáculo para los pasajeros; en otros, el estilo era totalmente abierto y un puñado de ellos tenía un elegante aire roadster.

Vista de un Duesenberg J Murphy Torpedo de 1931

Las conocidas estrellas de Hollywood Clark Gable y Gary Cooper encargaron sendos SSJ de bastidor corto con carrocería roadster. Se vendieron treinta y seis SJ. Cuando se acercaba el final de la producción, se habían comercializado unas pocas unidades del modelo J pero los ejemplares del J original seguían siendo los más numerosos.

Duesenberg J Bohman & Schwartz de 1929

Fte imagenes: Flickr

Rembrandt Bugatti

2008-11-16T05:12:00.000-08:00

Hijo del constructor de muebles Carlo Bugatti y hermano del Ettore Bugatti, constructor de automóviles, está considerado como uno de los mejores escultores, y uno de los primeros escultores que introdujeron el cubismo en su obra. Formado en Milán se traslada a Paris y de ahí en 1907 a Amberes, donde visita regularmente el zoo, estudiando antropomorficamente a los distintos animales, estudios que posteriormente se plasmarían en un estilo protocubista. En sus visitas al zoo entre 1907 y 1914 se encuentra con otros artistas como Alberic Collin, Isidore Opsomer o Walter Vaes Sus esculturas comienzan a tener gran éxito sin embargo entra en una depresión hay quien dice que por la I Guerra Mundial, y acaba suicidándose en 1916. Como homenaje, su hermano Ettore, usa un elefante suyo para decorar el radiador del Bugatti Royale en los años veinte. Su mezcla entre cubismo y art decó es única, lo que ha hecho que por piezas suyas se hayan pagado cifras astronómicas.

Esculturas

Boerentoren (Amberes, 1932)

2008-11-13T03:48:00.000-08:00

Arquitecto	Jan Van Hoenacker
Año de Finalización	1932
Año del Proyecto	1929
Altura	97 metros
Plantas	26
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	Su nombre Boerentoren o Torre de los Granjeros se debe a que los principales accionistas del Banco KB, el promotor de la torre. Construida en estilo Art Decó, en ella podemos observar algunos relieves alusivos a la economía así como dos figuras religiosas adosadas a la entrada del edificio. El aspecto del edificio sin embargo no es liviano, sino macizo, debido en gran parte a su base, de gran perímetro. Esta realizado con un esqueleto de acero y recubrimiento de piedra natural.
Ciudad	Amberes
Promotor	KB Bank

Imagenes (Flickr)

Teatro Lincoln (Miami, 1935)

2008-11-10T14:46:00.000-08:00

Arquitecto	Thomas W. Lamb
Año de Finalización	1935
Año del Proyecto	1934
Altura	N/d
Plantas	3
Tipo	Teatro
Construcción	Diseñado como el teatro acusticamente más avanzado del mundo, el Lincoln Theatre fue uno de los primeros teatros Streamline de Miami. Su espectacular mezcla entre movimiento moderno y art decó, queda patente en la curvada esquina, eminentemente moderna, y el cuerpo de la entrada, con ventanas apilastradas y coronado por un gran relieve floral que nos recuerda a los usados en muchos edificios de finales de los años veinte. En 1980 cerró, volviéndose a abrir en 1990, tras una inversión de 1 Millón de Dólares, que devolvió al Lincoln a su estado original. Sin embargo su interior, originalmente moderno, más que art decó, no pudo ser recuperado. En conclusión uno de los primeros teatros Streamline de Miami, en el que observamos una bella combinación de movimiento moderno y art decó de los años veinte.
Ciudad	Miami
Promotor	N/d

Imagenes (Flickr)

John Storrs

2008-11-10T02:56:00.000-08:00

John Storrs se desplazaba libremente entre el arte figurativo y el abstracto, y sacaba sus motivos 10 mismo de la iconografía clásica que de estilos del siglo xx: cubismo, estilo moderno francés y estética maquinista.

Storrs empezó su carrera en 1920 con una exposición individual en la Folson Gallery de Nueva York. Con un estilo francamente no representativo, exploró la simplificación de la forma en planos y volúmenes. En un caso, hizo uso de superficies faceta das para conseguir una gama de efectos cubistas de luz y sombra a la manera de Picasso, Gris y Laurens; en otro redujo la masa a sus componentes geométricos básicos; en otro partió de su creencia de que la arquitectura y la escultura eran interdependientes. Durante los años veinte, Storrs creó una serie de obras perfectamente arquitectónicas inspiradas en los rascacielos, entre las cuales estaban Forms in Space No. 1 y Study in Forms. Junto a su interés por la arquitectura, surgió una fascinación creciente por el arte industrial. En varias obras posteriores utilizó piezas de má¬quina como tema. En 1928, Storrs creó una figura de Ceres para la cima del edificio del Chicago Board of Trade. De todas sus piezas, ésta es la que mejor capta el espíritu moderno. Transformó los rasgos de la diosa de la cosecha en una forma grácil de nueve metros de altura, reducida a los elementos visibles desde la calle.

La obra de Storrs es un ejemplo de la influencia de la arquitectura en la expresión arquitectónica moderna de los EE. UU. La llegada del rascacielos dio al escultor de vanguardia un nuevo vehículo para su arte. Los arquitectos rechazaron la tradicional decoración remilgada, y reclamaron imágenes y formas nuevas para acentuar sus altos edificios. Se analizó la interrelación de escultura y arquitectura, y se discutió sobre su función y relevancia. El papel de la escultura había de consistir en suavizar las separaciones bruscas entre las diversas partes de un edificio. Varios escultores respondieron imaginativarnente a esta tarea, muy en especial René Paul Charnbellan y Lee Lawrie, quienes desplegaron una mezcla dinámica de modernidad en sus obras para el Rockefeller Center.

El Kalakala

2008-11-07T08:52:00.000-08:00

El Kalakala fue botado en 1935, siendo el primer ferry diseñado bajo el Streamline. Usado para cubrir la línea entre Seattle y Brmerton. El Kalakala, también fue usado como salón de fiesta, cada tarde partía de Seattle a las 8:30 de la tarde para celebrar el "Moonlight Cruise". Quizás esta actividad comercial, hizo que su interior fuera diseñado con gran gusto y refinamiento. Diseñado por Helmuth Schmitz, el Kalakala, se incluye dentro de una corriente renovadora que surge en EE.UU. tras la gran depresión, caracterizada por el uso de la aerodinámica, también conocida como Streamline, corriente donde además del diseño también se innova en los materiales, como el acero inoxidable. En 1962 haría su último viaje. Actualmente hay un proyecto de recuperación de este ferry, que se encuentra en Tacoma. Puedes ver más información sobre el en: http://www.kalakala.org/

Imagenes

La Forja de Edgar Brandt

2008-11-05T01:01:00.000-08:00

El más importante de los artesanos en hierro forjado de la época fue Edgar Brandt, quien creó enrejados y lámparas para numerosas casas particulares y hoteles; también recibió encargos públicos, como el del monumento a la primera guerra mundial, La tranchée des baionncttes, cerca de Verdun, en 1921. Sus lámparas para los transatlánticos Ile-deFrance, París y Normandie le dieron aún más prestigio. Entre esos encargos, Brandt expuso en los Salones anuales, donde presentó una gran variedad de objetos metálicos no arquitectónicos: rejas, cubiertas de radiador, lámparas o consolas.

La Exposición de 1925 proporcionó a Brandt numerosas oportunidades para dar a conocer su obra, empezando por la imponente entrada a la Exposición, la Puerta de Honor. En su propio stand de la Esplanade des Invalides se podía ver su celebrado biombo de cinco hojas «Oasis», de hierro forjado con aplicaciones, de latón. Siempre tuvo gran facilidad para combinar materiales: generalmente hierro forjado y bronce, pero también cobre dorado y, más tarde, acero, aluminio o la aleación "Studal" Raymond Subes fue seguidor suyo.

Reloj

Pantallas de Chimenea

Escultura realizada en colaboración con Marcel Sandoz

Lámparas

Residencia Ast (1911, Viena)

2008-11-03T02:47:00.000-08:00

Arquitecto	Josef Hoffmann
Año de Finalización	1911
Año del Proyecto	1909
Altura	N/d
Plantas	3
Tipo	Residencia particular
Construcción	El acaudalado empresario Eduard Ast, pionero de la construcción de hormigón armado en Austria, había colaborado a menudo con Hoffmann en tanto que empresario y era promotor de los artistas de la Secession de Viena y de la Wiener Werkstdtte. A Hoffmann, que en ese momento ya había construido el Palacete Stoclet en Bruselas, con este encargo se le brindó la oportunidad de realizar otro edificio de lujo. El edificio fue el último de la «colonia de artistas Hohe Warte» y se construyó en un plazo de tiempo increíblemente corto, de mayo de 1910 a marzo de 1911. La casa limita con dos terrenos en los que Hoffmann también construyó: en un lado se encuentra la Casa Friedrich Spitzer, y justamente la comparación de la Residencia Ast con este edificio, realizado por Hoffmann diez años antes, muestra el desarrollo de su lenguaje de formas. Al otro lado el terreno limita con la Casa MoII 11, construida entre 1906 y 1907, la segunda vivienda del padrastro y de la madre de Alma Mahler-Werfel. Vista desde la calle, la residencia tiene un aspecto monumental, ya que la planta principal se halla sobre un zócalo de mampostería. El jardín, algo más elevado, había sido plantado alrededor de un estanque dotado de un borde arqueado muy decorativo. En el lado oeste de la casa se encuentra una logia de vidrio que se prolonga por el jardín como un vestíbulo convertible de cinco ejes. Una petición del empresario de construcción jugó un papel importante a la hora de configurar la fachada de la casa: la técnica de incrustación, perfeccionada por él, debía llevarse a cabo de forma ejemplar en la cornisa y en las superficies de la fachada. El estriado de la fachada subraya el neoclasicismo al que Hoffmann se había consagrado en esta fase de su carrera por su parecido a pilastras y la acentuada verticalidad. Al igual que en la construcción del Palacete Stoclet, el dinero era lo de menos. Las salas de recepción de invitados eran de elevada calidad y en ellas se observa una armonía cromática. La zona comedor estaba revestida en parte con mármol Laaser, el comedor con mármol Porto-Venere veteado en tonos marrón, negro, naranja y blanco, el salón ovalado con mármol Cipollino, gris-verdoso (el mismo que Adolf Loos utilizó a menudo); como contraste, aquí colgaba en el eje espacial el cuadro de Klimt «Danae». En 1931, el Sr. Ast tuvo que vender la Residencia Ast, tras las perdidas que su empresa había tenido que soportar como consecuencia de la crisis económica mundial. Para el propietario, esta casa poseía un aura maldita ya que en ella había perdido a dos de sus hijos. La nueva propietaria era Alma Mahler-Werfel. Durante seis años, la Residencia Ast fue el centro del círculo social de esta mujer famosa, tan fascinante como controvertida, incluso piedra de escándalo, que primero se casó con el compositor Gustav Mahler, después, tras un apasionado amorío con Oskar Kokoschka, contrajo matrimonio con el arquitecto Walter Gropius y por último, durante su tercer matrimonio tuvo una relación con el escritor Franz Werfel. En esta casa murió en 1935, a los 19 años de edad, Manon Gropius, la hija que Alma tuvo con Gropius. Alban Berg le dedicó su concierto para violín y orquesta, al que titulo «A la memoria de un ángel». Alma escribiría en su diario: «Esta casa, esta maldita casa tiene la culpa de todo». En junio de 1937 - se acababa de firmar el pacto de anexión de Austria -, Alma y Franz Werfel organizaron en la residencia una fiesta bacanal de despedida con más de 160 invitados, a la que asistieron junto a representantes de la aristocracia, de la industria y la política, artistas como Alexander von Zemlinsky, Ida Roland, Carl Zuckmayer, Odon von Horváth, Karl Schonherr y Franz Theodor Csokor. La fiesta fue todo un éxito y duró hasta la mañana del día siguiente. Durante la misma, Werfe I cayó borracho en el estanque y Zuckmayer acabó durmiendo en la caseta del perro. Al año siguiente, la mayoría de los artistas que habían asistido a la fiesta se hallaban en el exilio al igual que los anfitriones. La Residencia Ast se encuentra hoy día muy cambiada en su interior y se utiliza como residencia-embajada.
Ciudad	Viena
Promotor	Eduard Ast

Imagenes

Casa Alice Millard (1924, Pasadena)

2008-11-01T05:16:00.000-07:00

Arquitecto	Frank Lloyd Wright
Año de Finalización	1923
Año del Proyecto	1924
Altura	N/d
Plantas	3
Tipo	Casa Particular
Construcción	Por regla general en la obra de Wright se subraya la horizontalidad; con seguridad, la gran mayoría de las "Prairie Houses" y también de algunas de sus grandes obras no residenciales como los Midway Gardens y el hotel Imperial, presentan esta característica. Su intención era acentuar la larga línea horizontal. Pero aquí, en una estrecha cañada de Pasadena, la obra presenta elementos muy verticales y una orientación vertical. Era la primera casa que construyó de acuerdo con un nuevo sistema, que denominó "construcción en módulos textiles". "Tomemos esta materia proscrita y descuidada en la industria de la construcción: el bloque de hormigón ... descubramos en él un alma inesperada, despertemos una belleza viva en él, con una textura como la de los árboles. Todo lo que hay que hacer es cultivar el bloque de hormigón, afinarlo y ensamblarlo con acero en las junturas ... Las paredes se convierten en finas, pero sólidas placas de hormigón armado, que pueden tomar cualquier forma imaginable".
Ciudad	Pasadena
Promotor	Alice Millard

Imagenes (Flickr)

Edificio Larkin (Buffalo, 1904)

2008-10-31T04:11:00.000-07:00

Arquitecto	Frank Lloyd Wright
Año de Finalización	1905
Año del Proyecto	1903
Altura	N/d
Plantas	7
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	El edificio Larkin ha contribuido, más que ninguna otra construcción del siglo XX, ha cambiar las ideas sobre la arquitectura. Para Wright, "el edificio es la simple realización de ciertas condiciones prácticas, su aspecto exterior es una simple roca de ladrillo, cuyo único ornamento es la correspondencia exterior de la nave central, subrayada por los pirales esculpidos a ambos lados del cuerpo principal”. La maquinaria de los diferentes sistemas alimentación con sus canalizaciones, conductos de ventilación, calefacción, así como las escaleras, que sirven también de salida de emergencia, se distribuye en un plano de cuatro partes colocándose en los cuatro ángulos exteriores del edificio, pudiéndose utilizar así toda la superficie interior para puestos de trabajo. Las escaleras exteriores reciben luz de la iluminación cenital. El interior del edificio principal forma así una inmensa nave única, en la que desembocan los pisos como galerías, abriéndose sobre un amplio patio interior, también iluminado por la luz procedente del techo. Todas las ventanas de las diferentes plantas se encuentran a una altura de siete pisos sobre el nivel del suelo, el espacio inferior está ocupado por armarios archivadores de acero. Las ventanas son dobles, con lo que el edificio queda cerrado herméticamente contra el polvo, los olores y el ruido. La importancia del edificio, el "primero en su género", reside en sus numerosos detalles innovadores: muebles de oficina de acero, aire acondicionado, servicios con recipientes fijados en las paredes y mamparas (para facilitar la limpieza del suelo), puertas de cristal con marco metálico con goznes (en la parte superior e inferior). La disposición general de los planos, con sus galerías abiertas, que se abren a un patio pleno de luz, daba a los empleados una sensación "familiar". Todos trabajan juntos, sin despachos privados ni espacios separados. Sólo esto era ya una revolución en el mundo laboras de entonces, donde el patrono habitualmente permanecía aislado de sus empleados. El edificio fue derribado en 1950.
Ciudad	Buffalo
Promotor	Larkin Corp.

Imagenes

La Wiener Werkstätte

2008-10-31T02:49:00.000-07:00

En realidad, la Wiener Werkstätte debería contar entre las obras principales de Hoffmann, pues aunque aun la autoría de sus diversos productos se deben a diferentes artistas, él era la personalidad dominante, la autoría competente, incluso el espíritu rector y al mismo tiempo el alma de la institución. El movimiento británico Arts and Craft fue entre otros uno de los modelos que inspiraron la creación de la Wiener Werkstätte. Según el relato de Hoffmann, la Werkstätte se fundó de la siguiente manera: "una tarde estábamos sentados en el café Heinrichshof con Otto Wagner, Kolo Moser, Fritz Wärndofer y algunos otros amigos. Moser y yo criticábamos de manera vehemente el estado del arte en Viena... En toda Europa agitaban las conciencias, en Viena nos daba la impresión de que todo estaba desmoronado y putrefacto. Por todas partes nacián talleres cuyo objetivo consistía en poner fin a ejercer una invitación de estilos e intentar crear formas nuevas de responder a nuestra época... en nuestra conversación nos derrochamos profundamente el embrutecimiento del momento y todo lo que resultaba imposible. Uno de los presentes, al que apenas conocíamos y que había regresado a Viena tras una larga estancia en Londres, dijo por fin es si queríamos intentar algo parecido no nos costaría ni una casa" En 1903, la empresa fue inscrita en el registro mercantil como "Wiener Werkstätte", cooperativa productiva de artesanos artísticos. Los directores artísticos y comerciales eran Josef Hoffmann y Koloman Moser, el industrial Fritz Wärndofer actuaba de socio comercial, es decir financiero. La empresa le costó ciertamente bastante más que el valor de una casa, acabó con toda su fortuna.

La Wiener Werkstätte perseguía el objetivo de promover los intereses económicos de sus miembros mediante la formación y adiestramiento de los mismos para las artes industriales, a través de la elaboración de objetos artesanales de todo tipo según los diseños artísticos realizados por los miembros de la cooperativa y mediante la construcción de talleres y de la venta de los productos elaborados. De esta manera se hizo posible fabricar artesanía de calidad superior

Durante el primer año se empezó con una pequeña vivienda de distrito IV con un taller para metales y plata; a finales de 1903, el domicilio social de la empresa se trasladó a la Neustiftgasse 32/34, situándose en el ala abandonada de un edificio. Aquí Hoffmann y Moser habilitaron salas de exposiciones, dibujo, así como talleres para carpinteros, obreros metalúrgicos, de cintas, orfebres, barnizadores, pintores, curtidores y encuadernadores. Además, en la última planta del ala contigua se había ubicado la oficina. En sus años de mayor apogeo, la Wiener Werkstätte dio empleo a más de 300 trabajadores.

Diseños de Kolo Moser

Las condiciones de trabajo eran para aquella época realmente progresistas. El taller se guiaba por principios democráticos los trabajadores participaban las ganancias al quedar excluido el comercio intermediario. El artesano además no debía actuar como fabricante anónimo sino estar en continuo contacto con el diseñador y el comprador. La innovación revolucionaria vino dada por la firma de los objetos no sólo por el artista sino también por el artesano; el monograma del artista esta escrito en un cuadrado y el del artesano en un círculo. De esta manera se promovió la identificación personal del trabajador con su producto.

los diseños procedían artistas de renombre como Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Carl Otto Czeschka, Gudrun Baudisch, Franz Karl Delavilla, Anton Hanak, Mathilde Flögi, Ludwing Heinrich Jungnickel, Anton Kling, Carl Moll, Koloman Mosen, Richard Luksch, Dagobert Peche, Alfred Roller, Vally Wieselthier, Edouar Josef Wimmer-Wisgrill y por supuesto Josef Hoffmann. El carácter de integridad de la Wiener Werkstätte requería que sus artistas no se limitara a la de sus disciplinas , sino que trabajaran en todos los campors.

De este modo, Hoffmann se presentó como diseñador de artesanía artística llegándose a hacer un nombre en ese terreno. En 1910, por ejemplo el dirigente compositor Gistav Mahler le encargó una diadema para su esposa Alma. La relación de obras de Hoffmann abarca más de 1000 trabajos de artesanía artística: muebles, utensilios domésticos, encuadernaciones, joyas y moda. En estos diseños se observa que una vez encontrada una forma, esta variaba continuamente en los diferentes objetos. Algunos trabajos, como las cestas de rejilla de hojalata troquelada o plata, están considerados iconos del diseño del siglo XX y alcanzan precios estrepitosos en las subastas internacionales.

Oskar Strnad, Adán y Eva, 1920

Los clientes de la Wiener Werkstätte eran en su mayoría artistas, miembros de la alta burgesía, representantes de las altas finanzas de origen judío y de la gran industria que también estaban representados en el entorno de la Secession. A menudo se trataba de parientes de Fritz Warndorfer. Como el Taller fabricaba únicamente artículos de lujo, su trabajo no resultaba rentable, dependiendo por ello del apoyo económico de patrocinadores. Entre éstos contaban los clientes que habían encargado los edificios de mayor importancia que por aquel entonces Hoffmann había construido, decorado y amueblado en colaboración con la empresa como una obra de arte total. Por tanto, se puede decir que la Wiener Werkstatte funcionaba como una «casa de decoración» para, por ejemplo, el Sanatorio Pukersdorf, el Palacete Stoclet, el Cabaret Fledermaus o la Residencia Ast. A partir de 1907 se empezaron a distribuir productos a través de un comercio en Am Graben nº 5, en el casco antiguo de Viena, que había sido diseñado por Hoffmann. Además existían sucursales de venta en el interior del país y en el extranjero: en los famosos lugares de vacaciones Karlsbad, Marienbad y Velden en Wörthersee, en Zurich, en Nueva York y en Berlín.

Objetos diseñados por Hoffmann

Los primeros años, entre 1903 y 1904, fueron los más productivos. La Wiener Werkstatte se hallaba entre las empresas más interesantes e importantes desde el punto de vista cultural e histórico de aquel tiempo. Sus productos alcanzaron en un breve espacio de tiempo gran fama internacional, debida en gran manera a su presentación en exposiciones nacionales e internacionales, diseñadas éstas a su vez por Hoffmann: en 1904 en la Casa de Artes Industriales de los Hohenzollern en Berlín, en 1905 en la Galería Miethke en Viena, en 1906 en Londres y en 1908 en la Muestra de Arte en Viena.

La Wiener Werkstatte pronto se encontró con dificultades de tipo económico. En 1914, Warndorfer, el mecenas más generoso de los primeros años, arruinado a consecuencia de su apoyo financiero a la Werkstatte, emigró a los Estados Unidos. Otto Primavesi y su esposa Eugenie «

La crisis económica mundial de 1929 y sus consecuencias supusieron el final del proyecto. En 1932 se liquidó la Wiener Werkstätte y se subastaron las existencias. Con ello concluyó uno de los capítulos más importantes de la historia de la cultura austriaca.

Duesenberg JN "Rollston"

2008-10-30T03:52:00.000-07:00

El JN fue el último modelo lanzado por Duesemberg de la serie J, lanzado en 1937, ofrecía un aspecto "moderno", lejos de la imagen de los años veinte que ofrecía la serie J. Bajo un diseño Art Decó, que lo ha convertido en una pieza de museo se encontraba un poderoso motor de 400 Cv. El modelo JN Berlina que vemos, fue diseñado por Rollston, famoso carrocero neoyorquino que ya había trabajado para Duesenberg, diseñando bellas carrocerías Art Decó como las que realiza en 1935 para el J "Convertible". El JN Berlina tenia un motor turbo tipo “ramshorn”.

Imagenes (Flickr)

Convertible de 1935 "Rollston"

JN Berlina de 1937 "Rollston"

Palacete Stoclet (Bruselas, 1911)

2008-10-29T02:44:00.000-07:00

Arquitecto	Josef Hoffmann
Año de Finalización	1905
Año del Proyecto	1911
Altura	20 metros
Plantas	3
Tipo	Casa Particular
Construcción	El Palacete Stoclet figura entre los edificios de vivienda más importantes del siglo XX. Está considerado como un hito de la arquitectura moderna y como la obra de arte total más significativa de la Wiener Werkstätte. En este edificio se combinaron la arquitectura, la decoración y el paisajismo hasta conseguir un conjunto armonioso. Al mismo tiempo, este edificio pone de manifiesto en colaborar y congeniar tan maravilloso como raro entre arquitecto y cliente. Adolphe Stoclet era el heredero de un imperio financiero belga que se casó con Suzanne Stevens, la hija del conocido marchante de París. El joven matrimonio, amante del arte, vivió en un principio Milán y más tarde se trasladó a Viena donde conoció a Hoffmann en el ambiente de la Secession de Viena. Al principio, Hoffmann debía planificar para los Stoclet una casa sobre el solar de la posterior Residencia Ast, pero la muerte del padre obligó a Stoclet a regresar a Bruselas para adir la herencia. Hoffmann recibió el encargo de continuar con la planificación en Bruselas. En 1905 empezó con los dibujos técnicos; la licencia de obra se obtuvo el 29 de julio de 1906, pero fueron necesarios cinco años hasta que se acabó de construir el palacete de tres pisos. Todo el edificio está forrado con planchas de mármol blanco noruego denominado Turili, las superficies esenciales creadoras de espacios y ventanas están engarzadas con perfiles de cobre oxidados en negro, adornados a su vez como ornamentos consecutivos dorados. Del edificio principal con una altura de 9,6 m sobresale la torre de casi 20 m de altura, escalonada de forma cúbica, en cuya cima reposan cuatro figuras. La planta del edificio, cuyas medidas principales son unos 37 m por 13 m, cuenta con dos ejes principales que se tienden hasta encontrarse en el ángulo recto. El inmueble responde a la tradición de las casas de campo inglesas, con una amplia sala-vestíbulo de dos pisos, salas de recepción en la planta baja, las habitaciones privadas en el primer piso y los espacios adicionales para invitados y servicio en la ampliación llevada a cabo en el ático. En el interior de la casa se desarrolla una verdadera riqueza de la dirección artística de Hoffmann. En colaboración con los artistas de la Wiener Werkstätte se llevó a cabo una obra de arte espacial única. En todos los espacios se encuentran sorpresas. Las paredes del vestíbulo están revestidas de mármol verde antiguo, el pavimento es de mármol blanco, la nave de dos plantas, con una altura de 7,20 m está iluminada por sus dos lados; las columnas y las paredes están forrados con mármol Paonazzo y belga, el suelo consiste en un trabajo de taracea en madera oscura, los muebles estaban tapizados con piel de gamuza. La sala de música y de teatro ofrece un fuerte contraste con el suelo oscuro en madera de teca y de coral, con las paredes revestidas de mármol Portovenere con listones de cobre dorados y muebles y cortinas en tono rojo. El punto culminante de la planta baje sin duda el voluminoso comedor con los mosaicos de Gustav Klimt, "la expectación" y "la satisfacción". A diferencia del comedor, formal y casi palaciegos, la sala de desayunos ofrecen revestimiento de paredes jovial con motivos florales en tonos amarillo y blanco. La opulencia alza sigue los dormitorios privados y en los baños; una gran escalera de mármol conduzca la zona superior de la nave. El dormitorio de los padres es de madera pulida de palisandro, el cuarto de baño contiguo con una superficie de 6 m por 5,80 m tiene como protagonista una bañera de mármol blanco, las paredes son de mármol estatuario, en pavimento es de mármol belga azul oscuro. Todos los sanitarios del baño incluido los utensilios de plata fueron fabricados en la Wiener Werkstätte.
Ciudad	Bruselas
Promotor	Adolphe Stoclet

Imagenes

Las Esculturas de Paul Manship

2008-10-28T02:00:00.000-07:00

Entre los escultores norteamericanos jóvenes que volvieron de Europa, Paul Manship era el más preparado. Había pasado seis años en Italia estudiando la iconografía y las técnicas de la escultura arcaica y grecorromana, y desarrollando un estilo que era una interpretación altamente personal del antiguo, considerada por los académicos a la vez renovadora y continuadora de la tradición norteamericana. A su vuelta de Roma consiguió un éxito inmenso. Hacia 1925, cuando ya era uno de los principales escultores norteamericanos, alcanzó la cumbre de su estilo, muy personal, y que retrospectivamente aparece como un Art Decó ejemplar. En cargos posteriores en los años 30, como sus "Moods of Time" para la Feria de Nueva York de 1939, y su Esfera Celeste para el Woodrow Wilson Memorial en Ginebra (1939), muestran un estilo moderno más aerodinámico pero igualmente vigoroso.

el encargo más atractivo que le hicieron a Manship fue un par de puertas para la entrada principal del zoológico de Nueva York en el Bronx. Para este gran proyecto -medía unos 11 m de alto por trece de ancho- diseñó una doble puerta de bronce con columnas en los flancos coronados por lunetos, concebidas como árboles y follaje estilizados, poblados por pájaros y animales. Un león coronaba el árbol central. Más abajo había un con junto de pájaros y animales encaramados en las hojas. Los animales, luego reproducidos individualmente en ediciones limitadas, estaban moderados de una manera muy expresiva. Los pájaros, en particular, presentaban una gama de expresiones bienhumoradas y gráciles que recuerda la obra del maestro francés Edouard Sandoz.

Esculturas en Nueva York (Flickr)

Esculturas

La forja de Raymond Subes

2008-10-24T05:06:00.001-07:00

Raymond Subes seguía de cerca a Brant por la amplitud y la calidad de su obra. Como director artístico de Borderel et Robert, una compañía de construcción fue responsable de una serie de encargos durante los años veinte: iglesias, cementerios, monumentos, salas de exposición y hoteles. También expuso sus muebles en los salones anuales, pero su importancia no puede medirse por estos objetos más pequeños; la mayoría de sus tours de force permanecen sin identificar en la fachada de un edificio o en la atrevida curva de la barandilla de la escalera de un hotel. Muchas obras suyas fueron desguazadas y desechadas cuando a los transatlánticos Île-de-France, Atlantique, France y Normandie les llegó su ignominioso final.

Las exposiciones de Subes en los Salones le valieron encargos de otros expositores: en 1927 por ejemplo, el marco de acero para una librería de Ruhlmann y una puerta de hierro forjado para Michel Roux-Spitz. Más tarde realizó trabajos para Maurice Jallot y Alfred Porteneuve. Para la exposición de 1925 creó obras de hierro con destino a la Ambassade Fraçaise, el Hôtel du Collectionneur y el pabellón de La Societé de L´Art Appliqué aux Métiers.

La elección que hacía Subes de sus metales rivalizaba con la de Brandt. Su preferencia era el hierro forjado, que a veces se combinaba con el bronce, el cobre patinado y, en los años treinta, con el aluminio y el acero, oxidado o esmaltado.

Las puertas eran uno de su fuerte, son sin duda una de las mejores puertas Art Decó que se podian encontrar en Francia en la época.

En el otro campo en el que destaco Raymond Subes fue en el diseño de lámparas.

También diseño otros objetos como mesas y mostradores

One Wall Street (Nueva York, 1931)

2008-10-22T02:39:00.001-07:00

Arquitecto	Ralph T. Walker
Año de Finalización	1929
Año del Proyecto	1931
Altura	199 metros
Plantas	50
Tipo	Edificio de Oficinas
Construcción	Uno de los espacios más exclusivos de Nueva York, el cruce entre Broadway y Wall Street se merecía un edificio de diseño singular, este edificio en cuestión fue promovido por la Irving Trust Company, el banco se fusiono con la entidad New York Exchange en 1928. El banco ocupaba un cuarto del edificio Woolworth, rápidamente se le quedó pequeño, por lo que en 1929 decidió construir el suyo propio. El edificio esta diseñado a través de columnas de ventanas, que sorprendentemente tienen forma ondulada, las distintas curvas van alternándose a lo largo del edificio. El remate, que incluye un gran ventanal en cada una de sus caras, es una muestra más del uso de pliegues con función decorativa. En este remate también observamos el típico recurso del zigurat. Su planta baja se caracteriza por sus altos ventanales. El número 1 de Wall Street está realizado en piedra caliza. Su interior es uno de los más inusuales de Nueva York, en su hall unos de los más altos de Nueva York, encontramos un gran mosaico realizado en azulejos vidriados, donde encontramos una transición entre el naranja y el rojo acompañado de hilos de bronce y oro. Este gran mosaico proviene de la fábrica Ravenna de Berlín.
Ciudad	Nueva York
Promotor	Irving Trust Company

Imagenes (Flickr)

Los muebles de Pierre Chareau

2008-10-20T12:18:00.000-07:00

Entre los modernos franceses, Piere Chareau merece una mención especial por sus muy característicos diseños de mobiliario. Se presentó en el Salon d´Automne de 1919 con un dormitorio y un despacho para el doctor Jean Dalsace (para quien, diez años más tarde, Chareau fueron diseñaría su famosa Maison de Verre en el número 31 de la rue Saint Guillaume). Las obras más importantes de Chareau fueron, en 1927 un club de golf en Beauvallon (la Riviera) y, en 1929, el Grand Hotel de Tours.

Chareau ingenió soluciones lógicas para el diseño de muebles, a base de unos componentes básicos que, con ligeras modificaciones, podían adaptarse a diversas necesidades. Armarios roperos, bares, archivadores, pantallas de chimenea y escritorios partían de una misma estructura fundamental. No hacía ningún intento para disimular la función del objeto: los contornos de madera y de metal aparecían tal como eran sin disfraz. Los muebles solían estar hechos con una combinación de hierro forjado y madera. Las maderas -palisandro, mimosa, nogal, sicomoro- eran cálidas y muy pulimentadas, para que destacasen sobre la frialdad y la austeridad del metal. Los soportes de chapa de hierro eran tratados con una ligera pátina e iban atornillados los unos a los otros. La tapicería era de terciopelo, piel de cerdo o, en unas pocas ocasiones, de marta cibelina. Seguramente los muebles de más éxito de Chareau fueron sus lámparas, con las pantallas construidas con láminas de alabastro traslapadas, formando ángulo entre ellas.

Mesa procedente de la LTT (Cia Telefónica Francesa). 1931

Lámpara

Mesa. 1924

Mesa. 1927

Silla. Final de los años 20.

Lámpara. 1927

Sillón. 1925

Jardinera. 1925.

Los Relojes Omega

2008-10-18T17:44:00.000-07:00

Los Relojes Omega, han sido siempre prestigiosos y unidos a los estilos predominantes en cada época. Como no podía ser de otra manera, el estilo Art Decó fue elegido por este constructor de relojes para diseñar piezas únicas y exclusivas, hoy muy apreciadas, ya que su precio puede alcanzar los 5.000$. Es difícil enmarcar dentro de un arte decorativo concreto los relojes Omega, en muchas ocasiones solo se proporcionaba la mecánica y el artista hacia el resto. Esta variedad es lo que hace estos relojes importantes para entender el Art Decó asociado a esta pieza decorativa. Mucho se trataban de livianos cuerpos de vidrio que rodeaba a una gran esfera, en otras ocasiones, el mármol, belga preferentemente, le robaba con sus colores intensos protagonismo al reloj, e incluso, el frió metal sirvió más de una vez como caparazón a la maquinaria Omega.

Raramente se jugaba con la forma del reloj, sin embargo vemos como en el orgulloso reloj lanzado en 1927 bajo el nombre de "Art Deco", el reloj tiene forma hexagonal, lo que denota una clara influencia del Art Decó francés. Ya durante los años treinta, el Streamline, calaría en el diseño de los relojes, poniéndose de moda los relojes rectangulares con numeración alargada, todo un guiño a las nuevas y novedosas formas.

Realizado por Laquique, y con maquinaria Omega, este reloj de 1931 esta realizado en cristal.

Realizado en Plata y de principios de los años treinta, este reloj muestra un estilo moderno.

Mucho más clásico es este ejemplar

Con forma de dodecaedro, también realizado en plata